Exposition Vous restez pour dîner ?

A sa manière, avec sa proposition conçue dans le cadre de « Vous restez pour dîner », Marielle Chabal nous confronte directement à cette déchéance de l’aliment et à sa représentation, attisant notre curiosité pour ce qui est habituellement considéré comme un déchet à évacuer au plus vite. Splendeur et misère du déchet constituent aussi le sujet de l’œuvre d’Agapanthe : Konné & Mulliez. Comment actualiser le sujet qu’est la nature morte tout en conservant l’esprit d’une certaine luxuriance qui lui est propre, le sens de l’éphémère qui en est le fondement et un regard critique sur nos agissements d’êtres mortels ? Sacralisant avec du sucre de vils rebuts utilisés quotidiennement dans la société de consommation, les faisant miroiter de mille cristaux minuscules, Konné & Mulliez parviennent à cet équilibre subtil entre envie et dégoût.

D’autres artistes contemporains ont abondamment puisé dans le riche terreau de gibiers, de fruits prêts à craquer, de citrons à la peau épluchée en spirale et de gâteaux rivalisant d’aspects appétissants pour « nourrir » leurs œuvres. C’est le cas de Saverio Lucariello qui a souvent associé son autoportrait à des éléments tirés de l’iconographie de la nature morte. La représentation de sa propre tête coupée joue alors le rôle du crâne régulièrement présent dans les Vanités – même si l’autodérision inhérente à cette démarche tue dans l’œuf la solennité du message initial. C’est le cas également de Cynthia Lemesle et Jean-Philippe Roubaud qui proposent plusieurs installations conçues à partir de ce qu’ils nomment « l’immense réservoir de formes et de possibles de l’histoire de l’art », notamment en matière de sujets alimentaires. Le fait d’avoir recours à de vrais oiseaux naturalisés renvoie là aussi aux nombreux volatiles décapités des natures mortes (symbole avec lequel Daniel Spoerri, dans ses tableaux-reliefs, a également joué). Résurrection ? Revanche des oiseaux sur les peintres ? Simple jeu de retranscription en trois dimensions d’une multitude d’images obsédantes qui irriguent notre inconscient collectif ? Les oiseaux naturalisés donnent en tout cas l’illusion de vie et laissent planer un doute possible sur le fait que la nature qu’ils représentent est vraiment morte.

De manière diamétralement opposée, Paul-Armand Gette et Natacha Lesueur traitent, chacun à leur manière, d’un autre sujet sous-jacent dans de nombreuses Vanités : l’envie, la luxure, le plaisir, le désir et les liens plus ou moins étroits entre plaisirs de bouche et plaisirs sexuels. Transformant le corps de la femme en un élégant morceau de viande, Natacha Lesueur s’appuie sur les paradoxes liés à la représentation du corps féminin – dans l’art mais de manière plus large jusque dans la publicité. Comment assumer sa féminité, mettre en valeur son corps sans être réduite au statut de femme-objet ? Elle partage cette préoccupation avec plusieurs artistes qui ont revendiqué leur statut, leur regard et leur pensée de femme-artiste voire leurs revendications féministes dans leurs œuvres. En réalisant une robe entièrement en tranches de viande séchée cousues entre elles (collection Centre Pompidou), Jana Sterbak a par exemple posé de manière radicale cette question de la femme réduite au statut de pur objet de désir. De son côté, Paul-Armand Gette a cultivé dans ses photographies, sculptures et installations sa vénération du corps féminin, de son sexe, de tous ses aspects séduisants. Au CIRVA, à Marseille, il a réalisé en pâte de verre une série de loukoums roses démesurément agrandis, tout juste croqués dans un coin. Il joue sur la sensualité de ce matériau translucide et poli, sur la couleur rose souvent associée dans son œuvre à un imaginaire féminin, sur la gourmandise liée au désir de cette confiserie… et sur l’anecdote du coup de langue de ce modèle qu’il avait observé déguster des loukoums. Pour notre exposition sur le thème de la nourriture, le fait que ce coup de langue en coin, puisse aussi au final apparaître comme un sexe féminin révèle bien cette étroite lisière entre désir, gourmandise, plaisir sexuel et Vanité.

Un lien peut-être encore plus subtil relie les œuvres de Jérémie Setton au thème classique de la nature morte. Interrogeant les fondements de la peinture, il s’est d’abord confronté à toutes les sortes de cuisines picturales qu’on peut imaginer : avant l’usage généralisé, dès la fin du XIXe siècle, de peintures toutes faites, les ateliers d’artistes étaient avant tout des laboratoires de fabrication de matériaux pour la peinture, à partir de recettes plus ou moins secrètes ou répandues, faisant largement appel à des ingrédients alimentaires (œuf, farine, colle de peau, de poisson, huile…)